Идеалы гармонии (мода Древней Греции)

В античной культуре тело человека впервые стало рассматриваться как зеркало, отражающее единство и совершенство мира. Римский архитектор Марк Витрувий Поллион, 25 г. до н. э„ на примере человеческого тела стремился показать особенности любого совершенного творения, созданного человеком. Эти особенности: закономерность, организованность, пропорциональность, симметричность, целесообразность. Эти пять особенностей отличали и одежду древней Греции.

Закономерность определялась шириной ткацкого станка, на котором ткался материал. Этот материал не сшивался, ткань только вертикально собиралась в складки, которые напоминали каннелюры греческих колонн. Организованность или устройство одежды диктовались, с одной стороны, материалом, с другой, модой той эпохи. По канонам моды того времени платье не кроили. Скроенного костюма, в современном смысле этого слова, греческая одежда не знала.
Пропорциональность одежды выражалась в её гармоничности и уравновешенности. Все следовали девизу, сформулированному когда-то в Греции, - «все в меру». И никогда здесь не выло модной эксцентричности, которая нарушила бы пропорции и гармонию одежды.
Симметрия платья определялась не только прямоугольным куском материи, из которого оно делалось, но и его пониманием. Одежда целиком подчинялась естественным линиям человеческого тела и выгодно их оттеняла.

И последнее требование Витрувия - целесообразность - соблюдалось. «Весьма приятно видеть хорошо подогнанную обувь... и одежду, удовлетворяющую потребностям владельцев...» - говорит греческий философ Ксенофон. Из его сообщения вытекает, что разделение одежды по потребностям само собой подразумевалось, и произведения искусства того времени являются тому доказательством.

История развития античной одежды, которую мы наблюдаем в течение длительного времени - от эпохи минойской культуры, через Грецию Перикла к периоду эллинизма - показывает, что требования, сформулированные Витрувием, были прочно заложены, прежде всего, в материале, который определял покрой, украшения и назначение одежды.

Самая древняя одежда, как её изображает скульптура, возникшая еще под египетским влиянием, представляет собой весьма тяжелую драпировку, которая скрывает человеческое тело. Это была грубая шерстяная ткань, которую, по сообщению греческого историка Геродота, кустарным способом выделывали дорийцы. Гомер описывает одежду из этого материала, как «лохматый плащ», который еще нельзя было задрапировать в мягкие складки. Эта женская дорическая одежда, вероятно, самый древний тип греческого платья. Изготовлялась она из шерсти и называлась пеплос (peplos), который был весьма тяжел.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

В классическую эллинистическую эпоху дорический пеплос опять в почете, вероятно, в этом сказался общий процесс исторического развития с его повторениями. Но это не прямое возвращение к старой одежде, ибо дорический пеплос теперь украшен вытканными полосами и украшениями, изобилующими всевозможными красками, с геометрическими и фигурными мотивами.

Уже в античные времена цвета имели свое символическое значение; так, например, белый цвет был закреплен за аристократией, а черный, пурпуровый, темнозеленый и серый - выражал печаль. Зеленый, серый и коричневые цвета, как и в средние века, были обычными цветами сельских жителей. Из упоминаний в греческой литературе мы знаем об известных уже тогда многочисленных цветовых нюансах: носили, например, платья зеленого цвета «лягушачьего» или «яблочного» оттенка, аметистового, гиацинтового, шафранового и т. д. Гомер, например, упоминает о том, что «двойной пурпурный шерстяной плащ... был одет на Одиссее; на этом плаще
была золотая булавка, сделанная из двух трубочек, и спереди плащ был богато украшен... Потом увидел я на теле его блестящую нижнюю одежду».
В античное время этот верхний раскошный плащ, который обычно носился поверх хитона, назывался фарос (faros), более скромный назывался хлаина (chlaina). Фарос носила аристократия. Он был из дорогого египетского полотна, настоящего красивого пурпурового цвета.

Позднее он несколько удлинился. Этот более длинный плащ с большим количеством складок назывался гиматион (himation). Пожилые мужчины прикрывали им шею и руки. Молодые люди носили более короткий гиматион, часто переброшенный только через одно плечо. Женщины в непогоду прикрывали им головы.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Во время спортивных игр мужчины придерживали волосы лентами или повязками, а с V века до н. э. стали носить, по большей части, короткие волосы. И только во времена Александра Македонского мужчины стали отращивать бородки. В античной Греции возникли основные типы причесок, которые позднее многократно повторялись. Первоначально свободно завитые, ниспадающие на плечи волосы, начали укладывать в сложные узлы и косы, положенные вокруг головы и закрепленные лентами, венками и гребнями. Самыми красивыми считались светлые волосы, поэтому окраска волос не была чем-то необычным.

1. Орфей у фракийцев. V в. до н.э.
На вооружённых фракийцах шлемы и хламиды. Орфей с длинными волосами и венком на голове одет в гиматион.
2. Голова Аполлона. V в. до н.э.
У бога типичная для того времени причёска - волосы стянуты узким ремешком, спереди равномерно завиты.

Аристократки имели в своем гардеробе красиво украшенные ручные зеркала, веера, зонтики от солнца из полотна, а позднее из шелка, пояса из драгоценных металлов, булавки из золота и слоновой кости, ожерелья, браслеты и перстни. Разнообразные виды украшений свидетельствуют не только об утонченном вкусе, но и технической зрелости той эпохи.

Сандалии из переплетенных ремешков на кожаной подошве делались ремесленниками для выхода на улицу, дома же и бедные, и богатые ходили, по большей части, босиком.

В период эллинизма, когда влияние греков проникает в Италию, Египет и в Азию, греческое искусство, а вместе с ним и одежда, утрачивают блеск и ясность своего начала. В Грецию снова проникают элементы восточного вкуса, главным образом через материалы, которые привозились в страну. Это было тонкое полотно из Египта, шелк из Китая и хлопчатобумажные ткани из Индии. Эту богато украшенную одежду можно сравнить только с коринфским ордером, которому она соответствует пышностью своего убранства.
Следы античной моды мы можем найти и в средние века, когда античная одежда была полностью изменена, так же, как вся античная философия и античные мифы. В конце XVIII века, когда так восхищались греческой демократией, античная мода снова появилась - и то на короткое время и в рабском её копировании. Не прижилась она ни в моде прерафаэлитов XIX века, ни в период 1890-1910 годов, когда её пропагандировали реформисты и Поль Пуаре.

Почему же не существует в моде возрождения «античной одежды», в то время, как в искусстве и в производстве художественных изделий время от времени возраждаются те или другие исторические эпохи? Вероятно, потому, что мода стала чем-то иным, она не стала искусством. Её стали создавать портные, швеи, модистки, которым ближе действительный мир, нежели изучение памятников старины и трактатов о них. А это и есть основные признаки, отличающие моду от искусства.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Знаете, что интересно? У нас исторически греческий город и, несмотря на бури веков, войны, политические репрессии, перестройку и отъезд многих на историческую Родину, число греков здесь довольно велико. Это прекрасный, добрый, невоинственный народ, свято блюдущий православную веру. Посмотрела я внимательно на облик Аполлона - это один из часто встречающихся типов греческого лица в нашей местности, у меня даже знакомые похожие есть. Столько веков прошло, а генетика работает.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Вязание - способ изготовления одежды, бывает ручное (на спицах или крючком) и машинное.

В одной из гробниц фараонов был найден детский вязаный носок. Большой палец был вывязан отдельно, так как в то время носили обувь, похожую на нашу пляжную.
В 5 в. вязание процветает на Востоке и примерно в 9 в, попадает в Европу, где до этого времени чулки шили из полотна и тонкой кожи. В Европе появляются вязаные чулки. Их носили и короли, и их свита.
В Испании только в 16 в. получили признание вязаные чулки, и английский король Генрих VIII получил оттуда в качестве дорогого дара пару чулок ручной вязки.
Чулки были необходимым предметом одежды, в 77 и 18 вв. в холодное время мужчины надевали сразу 12 пар чулок. Известно, что тогда, как правило, вязанием занимались мужчины, а не женщины.
В 1589 г. гальвертонский священник Уильям Ли изобрел первую вязальную машину, но английская королева Елизавета I отказала ему в патенте, так как чулки, связанные на этой машине, показались ей толще сшитых из шелка, и посоветовала изобретателю зарабатывать деньги честным трудом. Ли перебрался во Францию и в г. Руане основал первую механическую трикотажную мастерскую.
В конце 18 в. во Франции изобрели круговую трикотажную машину, вязавшую полотно в виде трубы. Чулки, вязанные на машине, быстро вытеснили ручные изделия, так как были гораздо дешевле.
По материалам сайта Сарафан. http://www.sarafan.ru/san/Ms/FashionVoc/article206.html

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Легенда и реальность

Вязание - один из самых старинных видов декоративно-прикладного искусства, который существует более трех тысяч лет. Вязаные вещи были найдены в древних захоронениях Египта, Рима, Греции. О вязании рассказывает одна из легенд Древней Греции.
Афина-Паллада была одной из почитаемых богинь. Она давала людям мудрость и знания, учила их искусствам и ремеслам. Девушки Древней Греции почитали Афину за то, что она учила их рукоделию.
Среди мастериц, ткавших прозрачные как воздух полотна, славилась Арахна, дочь красильщика тканей. Возгордилась Арахна своим искусством и решила вызвать на состязание саму богиню Афину.
Под видом седой, сгорбленной старухи предстала перед Арахной богиня и предостерегла гордячку - нельзя быть выше богов, стремись превзойти лишь равных. Не прислушалась Арахна к мудрому совету старухи. Соткала она полотно, не уступающее по красоте полотну богини. Но в своей работе Арахна выразила непочтение и презрение к богам. Разгневалась Афина, разорвала работу Арахны и ударила девушку челноком. Несчастная Арахна не перенесла позора, покончила с собой. Афина спасла гордячку, но превратила ее в паука. И с тех пор паук Арахна вечно ткет свою паутину.

И в реальной жизни люди не раз пытались использовать паутину в качестве пряжи.
В Древнем Китае из паутинного шелка шили платья. Ткань из паутины ткали жители Парагвая. Король Франции, Людовик XIV, получил от парламента города Монпелье сувенир — чулки и перчатки, связаные из шелка пауков.
В 1709 г. французский натуралист Бон де Сент Илер написал диссертацию "О пользе паучьего шелка", в которой детально описал основы прядения ткани из паутины. Паутина была признана пригодным сырьем для производства шелка.
Пауки нужного вида (нефиллы) были найдены на острове Мадагаскар и в восточных областях Африки. Эти пауки, величиной с большой палец, плетут ловчие сети диаметром до 8 метров. Несмотря на свою сверхтонкость, нить прочна.
В ней запутываются не только крупные кузнечики, но и мелкие птицы. Жители острова Новая Гвинея ловят такой паутиной рыбу в небольших прудах и тихих речных заводях. На острове Фиджи и Соломоновых островах сачками из такой паутины кроме рыб ловят насекомых, певчих птиц и даже проворных летучих мышей.
Ткань из паутины удивительно легкая и воздушная. Она прочнее и эластичнее любых сортов искусственного и натурального шелка. Но трудность организации ее промышленного производства привела к тому, что паутинную ткань можно увидеть только в музеях...

По материалам книги С.Ф.Тарасенко "Забавные поделки крючком и спицами".

http://club-rukodelie.com/histori.html

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

В продолжение поста Масик.
Этой технике много веков, но до сих пор мы любуемся изделиями из простых ниток и сами иной раз пытаемся изобразить подобное.

Вязание простым крючком.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Вязание с бисером
И еще в продолжение сообщения Масик. Спасибо тебе, очень интересный аспект истории моды.
http://www.biserland.ru
Здесь много интересного об этом старинном искусстве.

Итак, старинное и такое современное вязание с бисером.

Как сплету я фенечку,
Песню напою вам.
Буквы лягут бисером,
Узором.

Не хватало синего
Бисера небесного.
И просил у неба я
Светлого, чудесного.

Небо каплями дождя
В песенку ложилось.
Фенечка – дорожка
Синей змейкой вилась.

Звала – звала за собой,
Только мне нельзя уйти.
Надо мне остаться здесь,
Надо фенечку плести.

Белым бисером был снег,
В небо я его вплетал.
Снег ложился на дорожку,
За собою в дали звал.

Звал – звал в облака,
Только мне нельзя уйти.
Надо мне остаться здесь,
Надо фенечку плести.

Догорал в лесу костер,
Черный бисер уголь дал.
Поднимался в небо дым,
За собою к звездам звал.

Звал – звал в небеса,
Только мне нельзя уйти.
Надо мне остаться здесь,
Надо фенечку плести.

Слово за словечко –
Как на леске бусинки,
Вот и вышла фенечка,
Да немного грустная.

Вот и вышла песенка,
Да немного грустная.

Этот старинный способ вязания требует от мастерицы навыка и большого терпения. Особенно он удобен в тех случаях, когда надо отделать изделие сложного контура: бокал, бутылку, вазу, подсвечник, чернильницу, кошелек и др. Бисером можно обвязывать и отдельные элементы: края салфетки, кокетку к жилету и т.д.

Для работы берется клубок тонких хлопчатобумажных или льняных нитей. Кончик нити смачивается крахмалом, клеем или лаком. Затем весь бисер строго по рисунку нанизывается на клубок. Если бисер нанизывается на шерстяную нить, то ее кончик намыливается.
Мастерица должна хорошо чувствовать форму будущего изделия, владеть техникой расширения и сужения полотна, ощущать плотность вязания и следить за тем, чтобы во время работы бисер плотно ложился друг к другу, не оставляя в полотне просветов. Такая работа похожа на вышивку, но само полотно получается более эластичным, поэтому его легко натянуть на любую форму.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Колье "Свадебное" Колье "Янтарная волна"

Картина "Лесные гости"
(вышивка бисером Н.Морозовой)

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Chanel, The Metropolitan Museum of Art

Едва ли не самые удивительные экспонаты выставки – флаконы и упаковка духов, созданные Коко Шанель (в каталоге и подписях к работам она неизменно названа Габриэль Шанель) в начале 20-х годов прошлого века, в том числе, разумеется, и для знаменитого Chanel #5. "Chanel #5,– говорит историк моды Кеннет Сильвер,– представляет собой саму суть послевоенного стремления к ясности, логике и точности".

Выставка готовилась долго и анонсировалась как нечто грандиозное. Церемонию ее открытия (билеты стоили $5000) в Нью-Йорке уже назвали "ответом восточного побережья 'Оскару'". Ею руководили лицо дома Chanel Николь Кидман, сердце и мозг – Карл Лагерфельд и, разумеется, душа – главный редактор американского Vogue Анна Винтур.

1922 год Кураторы Гарольд Кода и Эндрю Болтон явно готовили совершенно необыкновенную выставку. В определенной степени им это удалось. Они пригласили знаменитого дизайнера-архитектора Оливье Сайяра, придумавшего для платьев Chanel интерьер в стиле Корбюзье. В отличие от предыдущих подобных выставок, которые устраивал музей "Метрополитен", платья на этот раз не были выставлены за стеклом.

Кураторы определенно сочли необходимым сделать все, чтобы выставка не выглядела "ретроспективой" творчества Коко Шанель. Скорее, наоборот, это все что угодно, но не ретроспективный, подробный рассказ о творчестве Коко Шанель. "Шанель и дух Шанель, прошлое и настоящее" – так обозначил содержание выставки Карл Лагерфельд. Однако он сам неоднократно говорил, что прошлое – это то, к чему он совершенно равнодушен. И уж подавно лишним оказалось то прошлое Шанель, которое не нашло продолжения в творчестве Карла Лагерфельда.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Но отказавшись от ретроспективы, устроители сделали необыкновенно бесстрастную выставку о женщине, жизнь которой была бесконечно наполнена страстями. Кураторы решили обойтись не только без биографического материала, но даже и без портрета Коко Шанель. Разумеется, роскошный каталог выставки дает кое-какую информацию о Шанель, однако, как признался куратор Гарольд Кода, некоторым посетителям, прежде чем покупать билет на выставку, следует купить книгу о Коко Шанель.

Только купив и прочтя такую биографию, посетители смогут обнаружить то, что организаторы выставки отбросили все, что не имело непосредственного отношения к их идее. Например, то, что в последние годы жизни Коко Шанель она и ее работы вышли из моды. "Превратив свой собственный вкус в жесткое, нетерпимое 'евангелие' элегантности, она сама стала 'немодной'",– пишет о Шанель Лагерфельд. Но это не имеет никакого отношения к "духу Шанель" и ее новаторству, а потому совершенно оставлено за кадром. Места работам Шанель этого времени в зале не нашлось. Их удачно заменили последними работами самого Карла Лагерфельда, предоставив ему последнее слово. Впрочем, скорее всего, именно так и задумывалось.

НИКОЛАЙ ЗУБОВ

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Yohji Yamamoto, Juste des Vetements

Вы можете не носить одежду Ямамото, но стоит ее иметь. Звучит несколько снобистски, но, поверьте, наступит день... и вот тогда вы наденете что-то черное, как бездна, что-то неровное, как ваше настроение, что-то сжимающее, словно вздрогом, плечи, что-то ускользающее – то ли прошлое, то ли будущее – у щиколоток.

Вы сделаете это и, подумав секунду, в качестве последней детали достанете из шкафа не туфли на высоченном каблуке, а плоские японские шлепанцы с бархатной перетяжкой между пальцами. И почувствуете гармонию – там, внутри, где бывает так необходимо выпасть из времени, забыть о прошлом и не думать о будущем. Вы запахнетесь в фантазию этого интригующего японца, который отменил в своей одежде вчера, сегодня и завтра и оставил forever – "всегда", вневременную классику, преодоление плоскости "мода".

Именно поэтому, если не смотреть на даты, закрепляющие ту или иную модель за тем или иным годом, вы почувствуете ту же растерянность на выставке Ямамото в парижском Музее моды, что и я. Более того, вы совершенно точно ощутите прозрачную условность стекла, отделяющего коллекцию старинной одежды, собранной дизайнером, от собственно им самим созданной одежды. Все это можно носить! Сегодня. Сейчас. Русское платье конца XVIII века зеленовато-золотистой вышивки – красоты такой, что и не снилось,– можно спокойно надеть поверх укороченных черных брюк японца, сочетать с мягкими черными туфлями или расшитыми сапогами из-за другого стекла и, покинув в таком наряде здание Лувра, где разместилась выставка, прогуляться минут 15 до Оперы. Вы окажетесь самой неотразимой дамой в этот вечер в этом, в общем, вполне пафосном месте, знававшем разных дам в разных нарядах. И чтобы окончательно уничтожить время, фантазия мастера поселила за стекло древности современный манекен с перекинутой полоской материи, с идеей линии, с проектом будущего. А в стекле отражаются многочисленные включенные телеэкраны, и идут и идут живые манекены в одежде Ямамото то ли из прошлого, то ли из будущего.

Сначала работа, потом результат. Так и поделена эта выставка. Внизу – мастерская, в которую вы входите, минуя сотни рулонов материи – сырья, потом рисунки, разбросанные по полу,– идеи, потом рабочий кабинет – воплощение. Фотография на материале: сгруппировавшийся в какой-то немыслимой позе Ямамото спит на стуле за рабочим столом. Усталость. Я посчитала. В жизни этого дизайнера было два относительно длительных периода, не отмеченных внешними событиями – в конце 60-х, после окончания токийской школы стилистов, и в интервале 1977-1981 годов – между показом первой коллекции в Токио и первой – в Париже. Дальше с частотой пульса каждый год отмечен событием. Результат – наверху, на втором этаже. Это чистая радость для глаз – блистательная материализация фантазий 60-летнего уже человека с усталым лицом, обрамленным тонкой бородкой.

Ямамото любит повторять журналистам: "Покупка нового пиджака – это все равно что покупка новой жизни, он может совершенно изменить стиль вашей жизни и даже саму жизнь. Я имею в виду, что не надо 'использовать' мою одежду, она будет жить с вами всегда". Это не самонадеянность художника, а истина, которую он знает про свою одежду. С возрастом он как будто точно понял, что оставит за собой что-то такое, что скажет нечто людям в будущем. Некое послание. Да, вот такое – очень персональное, своеобразное, яркое, немое. Но странным образом в моем представлении "говорящее" о мастере больше, чем все, что он сам говорит о себе в документальном фильме Вима Вендерса, который тихонечко нон-стоп журчит в углу выставки. Конечно, Ямамото может сказать: "Я создаю одежду для женщин, переживших ад..." Но понять это можно, только увидев эту одежду. А почувствовать смысл сказанного, только потянувшись к ней...

НАТАЛИЯ ГЕВОРКЯН

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Олик, как интересно!

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Блестящие, потребительские, беспринципные, охочие до удовольствий гедонистические 80-е годы ХХ столетия... За последние полвека только этот период сопоставим по масштабам с сегодняшним безоглядным увлечением роскошью. По масштабам – но не по смысловому наполнению. Ибо 80-е – последняя эпоха, учитывавшая при создании моды вкусы исключительно западного мира, и в этом состоит ее уникальность и особое пылкое очарование.

С падением Берлинской стены и развалом коммунистического лагеря рухнули границы, сдерживавшие пришествие модной индустрии на новые перспективные рынки, прежде всего российский. Кроме того, за последние 15 лет очень возросло и значение рынков Азии – кто из нас не знает о многочисленных толпах японцев и южнокорейцев, заполонивших парижские и миланские бутики самых престижных марок? Модные гиганты просто не могут позволить себе не учитывать интересов и вкусов столь крупного сегмента клиентуры. А Восток (включая Россию) – дело не только тонкое, но и яркое. Поэтому не стало особой неожиданностью падение на рубеже тысячелетий последних бастионов консерватизма и появление веселеньких расцветочек и ягодок в дизайне аксессуаров Louis Vuitton, голубой и розовой клеточки у Burberry, назначение ведущим дизайнером Hermes феерического Жан-Поля Готье.

Yves Saint Laurent В 80-е на полет фантазии модельеров еще не влияли новые реалии мира, которому только предстояло измениться, и понятие роскоши существовало в традиционно западном, незамутненно чистом виде. Стрелки барометра моды, чутко реагирующего на стабильность политической и экономической ситуации, в это десятилетие стремились к оптимистической отметке "ясно". Избрание в 1979 году Рональда Рейгана президентом США и приход правительства Маргарет Тэтчер на смену лейбористам в Англии со всей очевидностью возвестили о наступлении очередной эры консерватизма в западном мире. После молодежных бунтов 60-х и альтернативной культуры хиппи с ее отказом от богатства и власти люди вновь обретают вкус к большим деньгам и большим расходам. Воцаряется культ роскоши, упоительных развлечений и безудержных трат на себя, любимого.

Christian Lacroix, 1987 Маятник моды качнулся вместе с общественным сознанием и сделал стиль этого десятилетия на удивление броским, ярким и блестящим. Долой скромность и сдержанность, полутона и недосказанность! Если ты носишь дорогую вещь престижной марки, то почему бы не возвестить об этом всему миру? Логомания овладевает воображением модельеров и сердцами их клиентов. Логотипы фирм появляются на одежде и аксессуарах, включая резинку трикотажных трусов Calvin Klein. Роскоши 80-х (по крайней мере, первой их половине) свойственно стремление к гиперболизации – объемные подкладные плечи, блеск и золото, пышные прически, слишком яркий румянец на скулах. Таковы неотъемлемые приметы образа уверенно заявляющей о себе женщины нового десятилетия.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Его успеху в немалой степени способствовала состоявшаяся в 1981-м свадьба леди Дианы Спенсер и принца Чарльза. Всеобщее умиление по поводу голубоглазой невесты в платье с огромным шлейфом, ее прекрасного принца в мундире, трогательных пажей, запряженной белыми лошадьми кареты и прочей романтической атрибутики королевской свадьбы положило начало превращению Дианы в культовую фигуру и модную икону 80-х. Помогло оно и росту популярности британских дизайнеров, вещи которых Диана из соображений политкорректности должна была носить. Молодая принцесса с модельными пропорциями, неотразимым обаянием и врожденным чувством стиля стала примером для подражания и обязательным персонажем светской хроники модных журналов. Ну а когда в семействе принца и принцессы Уэльских начались нелады, весь мир, затаив дыхание, следил за захватывающими перипетиями мыльной оперы, разворачивавшейся в декорациях королевского дворца.

Azzedine Alaia Настоящие мыльные оперы, которые в то время шли по американскому телевидению, и их персонажи были не меньшими властителями дум и выразителями стиля эпохи. В сериалах "Даллас" и "Династия" интрига крутилась вокруг богатства, власти и денег – трех великих тем 80-х. Созданные Норманом Миллером пышные туалеты положительной блондинки Кристал и ее вечной соперницы, крайне отрицательной брюнетки Алексис из "Династии" казались миллионам американок воплощением роскоши и шика. Исполнительница роли злодейки Алексис актриса Джоан Коллинз сама настолько прикипела душой к гламурному стилю Миллера, что заказала у него лиловое платье для своей очередной свадьбы в 2002 году.

В области моды был на американском континенте и другой пример для подражания – первая леди Нэнси Рейган. Ее безупречную ухоженность, элегантность, смелое пристрастие к яркому цвету, особенно красному, к дизайнерской одежде (прежде всего от Adolfo и Galanos) не уставали восхвалять глянцевые журналы. Женщинам же импонировало то, что Нэнси в своем далеко не юном возрасте удается сохранить привлекательность, дающую ей возможность считаться образцом стиля. Возрастные ролевые модели приобретают в этот период особую важность. Многочисленное и платежеспособное поколение baby-boomers, родившихся после войны, достигло зрелости и приближалось к вершинам карьеры и процветания. В 70-е они бунтовали и любили одеваться как хиппи, в 80-е стремились пожинать плоды успеха и не останавливаться на достигнутом.

Emanuel Ungaro Не отставали от старших и яппи. Аполитичное поколение, нацеленное на жесткую конкурентную борьбу за место под солнцем, стремится и одеваться соответственно. Power suit – "властный костюм" становится униформой молодых карьеристов и карьеристок. Для женщин это сильно приталенный пиджак с широкими плечами и короткой юбкой или заимствованный из мужского гардероба брючный костюм. Акцентированные плечи помогают все чаще занимающим руководящие посты дамам чувствовать себя уверенно в традиционно мужском окружении за столом переговоров.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Вообще, черный цвет после лоскутной пестроты 70-х снова начинает играть в моде важную роль. В усмирение буйства цветовой палитры внесли свою лепту японские дизайнеры, показы которых проходят в Париже: Йоджи Ямамото, Иссеи Мияке, Реи Кавакубо. В коллекции Comme des Garcons Реи Кавакубо сознательно закутывает женское тело, вместо того чтобы его демонстрировать. Стиль японцев освежающе радикален и предназначен для женщины, которая стремится продемонстрировать свою личную и финансовую независимость. Но оценить его пока способны лишь избранные, так как он полностью выпадает из концепции роскоши 80-х. Если нейтральные тона коллекций японских модельеров помогают до некоторой степени приглушить яркость повседневной одежды и делового костюма, то до принятия общественным сознанием идей деконструктивизма еще ох как далеко. Понадобятся усилия антверпенской шестерки, которая появляется на модной сцене в те же 80-е годы и принимает знамя авангарда из рук японцев, чтобы концепция нефункциональной, недекоративной и не льстящей фигуре одежды перестала вызывать шок.

Claude Montana, 1987/88 Как можно скрывать фигуру, работе над которой посвящается столько времени и сил? Культ тела пышно расцветает в пронизанные духом нарциссизма 80-е, причем речь идет уже не столько о хорошей спортивной форме, сколько о создании совершенных пропорций. Тонкая талия, стройные бедра и впечатляющая грудь – таков идеал эпохи. Для этого женщины изнуряют себя в спортзале, приглашают личного тренера и прибегают к услугам пластического хирурга. В США использование пластической хирургии возросло в 80-е на 63%. А когда желанный идеал достигнут, результат следует незамедлительно продемонстрировать окружающим.

Это легче всего сделать с помощью моделей дизайнера из Туниса Азедина Алайя, непревзойденного мастера одежды для обольщения. Его не зря называют скульптором моды: он как никто умеет "вылепить" тело из ткани с добавкой лайкры, дающей эффект корсета. Платья тунисца облегают тело как вторая кожа, еще и за счет спиралевидных швов, на которые его вдохновили модели великой парижанки Мадлен Вионне, прожившей 99 лет и достигшей апогея славы в 30-е. Откровенная сексуальность туалетов Азедина Алайя идеально соответствует вкусам эпохи; его творения с удовольствием носят обладательницы совершенных фигур – супермодели и поп-звезды Грейс Джонс и Тина Тернер.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Еще одним ведущим дизайнером десятилетия, работающим, как и Версаче, в стиле необарокко, становится неистощимый выдумщик Кристиан Лакруа. Оргия красок, узоров и тканей, с панковской дерзостью смешанных в невообразимое целое, делают его любимцем молодой части потребителей высокой моды. Дутые юбки-пуфы, юбки фру-фру, огромные шляпы-колеса и другие изобретения талантливого арлезианца Лакруа спасает от вульгарности изрядная доля юмора. Впрочем, точно ли изобретения? Кутюрье сам говорит, что в каждой его модели прослеживаются исторические корни и что он ничего не придумывает. Фантастические, чрезмерные туалеты Лакруа становятся тем самым элементом, которого только и недостает женщине 80-х, чтобы со всем пылом окунуться в разгульную ночную жизнь.

Однако возможности быть богатой и пышной и при этом соблюдать чувство меры у моды 80-х никто не отнимал. Это понимают французские модные дома с устоявшейся репутацией. Ив Сен-Лоран продолжает демонстрировать это своим творчеством. Недаром "гений столетия", как его называла легендарный главный редактор Vogue Диана Вриланд, в 1983-1984 годах первым из дизайнеров при жизни удостоился ретроспективной выставки в Институте костюма нью-йоркского музея "Метрополитен". В доме Dior вплоть до 1989 года продолжается эпоха элегантного и изысканного Марка Боана, тактично обогащающего классические традиции новыми веяниями. Не стоит забывать, что Боан был ведущим дизайнером Dior на протяжении 29 лет, дольше, чем кто-либо из занимавших этот пост,– факт весьма красноречивый. Карлу Лагерфельду, возглавившему в 1983 году дом Chanel, удалось возродить некогда великую марку, пришедшую в упадок после смерти Коко Шанель в 1971 году. Особенной популярностью Chanel начинает пользоваться у американок, которые с удовольствием приобретают вечерние платья, созданные Лагерфельдом, и щедро украшенные логотипами аксессуары.

Праздник жизни продолжается до середины 80-х, когда Всемирная организация здравоохранения официально объявила о начале эпидемии СПИДа. Настроение в обществе становится значительно более сдержанным, западный мир напуган. Откровенному промискуитету, ставшему нормой жизни, и безудержному гедонизму приходит конец. Это не могло не отразиться на модных тенденциях – мода становится менее агрессивной и эротичной. Последовавший в 1987 году биржевой крах окончательно подвел итог под эпохой пышных и вычурных 80-х. В конце десятилетия цех модельеров находится в глубоком кризисе. Только пройдя через минимализм и гранж 90-х, творцы моды и их клиенты на рубеже тысячелетий вновь обретут вкус к роскоши и откроют очередную эру потребительского бума. Но это уже совсем другая история.

НАТАЛЬЯ ТОЛКУНОВА

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший

Основателем французского от кутюр стал Чарльз Фредерик Ворт (1825-1895), приехавший в Париж из Лондона в двадцатилетнем возрасте.

В 1858 году он основал собственный дом моделей. Ворт впервые стал подписывать модели собственным именем, кроме того, каждый год он представлял новую коллекцию. Для Ворта, сумевшего соединить английскую технику шитья с французским шиком, было создано слово кутюрье (couturier) - "модельер", до этого были лишь couturieres - "портнихи".

Именно Чарльз Фредерик Ворт считается изобретателем дефиле. Он взял на вооружение существовавшую в некоторых магазинах практику надевать предметы верхней одежды (манто, шали) на красивых продавщиц и устроил в своем ателье маленькую комнату, где "манекены", первым из которых была его жена, демонстрировали образцы платьев состоятельным клиенткам. Нововведение прижилось, и в конце XIX - начале XX века все серьезные Дома моделей имели специальные закрытые комнаты, где состоятельные и уважаемые посетители могли посмотреть коллекцию.

Новшества и характерные черты стиля

Чарльз Ворт придал чрезмерно объемному кринолину более соразмерную форму, сделав платье плоским спереди, и собрал ткань в складки, которые переместил назад. Так появился турнюр.

Для этого периода был характерен силуэт песочных часов (пышная грудь и бедра, узкая талия); в профиль идеальная линия напоминала букву S. Женская одежда благодаря Ворту стала более свободной, но кардинально не изменилась.

"Делай что делаешь и будь что будет" Катон-старший